摄影后期的真谛 看完这7点 才知道以前的照片调色完全是错误的

日期:2020-05-02 12:31:45 | 人气:

什么是后期?在影像信息如此发达的今天,后期究竟出于一个怎样的地位?在摄影门槛越来越低的今天,后期又是怎样的处境?

如今的后期被“摧残”得太严重了。随便搜一搜,便可以看到,很多人所认为的后期,都是照片结构的调整、色调的调整和艺术修饰,也就是合成。甚至有人认为照片拍得不好,通过后期照片就会变得优秀了。这怎么可能呢?

后期是对前期进行一个辅助,它起到锦上添花的作用,前期才是核心。前期的拍摄质量不能太差,后期才有发挥的余地。好多后期的教程和老师,都在打着“拯救废片”的旗号,这个概念就已经有问题了。都拍废了,还拯救什么?他们所说的废片大部分根本也不算是废片。真的给你一张废片,除了重拍还能怎样?所谓的变废为宝,三分钟学会的后期秘诀,都仅仅是标题党而已。所以我们一定要正确地认识一下后期。

为什么有这么多的摄影艺术家,而没有所谓的后期大师、后期艺术家?因为他们的级别根本没有办法和前期的大师相提并论。这个过程有些像摄影刚刚诞生时与绘画的对比,当时绘画的看不起搞摄影的。随着摄影的发展,地位的不断提升,也没有人会把后期推到台前?一个优秀的作品,都是指摄影师拍到的东西,幕后的后期团队和技术大能很少被提及。前期摄影到位了,后期就是概念上的一个润色。

后期的关键就是在于无中生有的“想象”。它不是凭空得来的,而是需要一套美学,哲学体系的正确支撑。

后期其实就是一种想象,和画画是一样的。为什么同样的照片,同样的软件,做出的后期效果千差万别呢? 关键的问题是使用软件的人对色彩、对画面空间布局的概念理解不同。

这个无中生有就相当于在画画的时候,一张白纸,大家都去画一个红色瓶子,最后100个学生不可能都画出相同的色相,总会有一些偏差的感觉。

一个的人生阅历,接受过什么样的美学和哲学教育,就会说出什么样的话,做出什么样的作品。

想象并不是天马行空的创意,也不是ps合成。而是在拍摄之前率先想好的主题,如何实施的过程,以及期望达到的效果。

摄影师创作时拍到一些东西,都有一些自己的先入为主的概念在里面。绘画也是这样,所有人看到的,表现出来是完全不同的。

雷诺阿和莫奈写生的时候,两个人在同样的风景下,坐在同样的位置,画面效果是完全不一样的。雷诺阿镜头更近,笔触更长,主体人物更居中,细节更加细致;而莫奈对色彩的运用更加精致、鲜艳,整体感觉更真实。通过这个事例我们会发现关注度不一样,最后呈现出来的画面完全不一样。

拿到一张照片以后,后期工作者之前所受的美学和哲学教育思维,他的人生阅历和三观,就会对最后的修片造成很大的影响。尤其是摄影师和后期不是同一人的时候,必然会产生工作衔接上的不连贯。后期人员没有摄影师拍摄时的创作激情和感受,对于他们而言,修片仅仅是工作而已,毫无情感可言。这样的最后出来的作品就很难达到摄影师最初的预期了。

反倒是独立摄影师,比较自由,在前期拍摄的时候,就已经想到自己后期要做什么。无论是借鉴、模仿还是创作,甚至突发的灵感,会有自己的一套路子和风格。拍摄和后期一气呵成。

有些人认为他就是调色和合成,其实不然。虽然很多人都是被调色与合成所吸引来学习后期,但调色与合成只是后期的一小部分。

很多人开始学后期的时候,感觉总是没有别人的漂亮。常常感慨别人做的照片真牛啊,调色厉害,合成更厉害。当自己开始学习后发现,合成最后落地到照片完成时,创意也好,激情也好,都会被长年累月的重复操作给磨平。因为使用最高的频率无非是换天、换地、换水,换飘纱。再也没有其他的创意合成了。除非你进入了4A级广告公司,可能会用到一些创意。

再说调色,它确实会产生很强的视觉冲击力。在我没有理解后期之前,好像所有的照片都应该是调色相来改变色彩。其实归根结底还是加对比:增强和减少对比的时候,色彩的色相就已经会发生一些改变了。因此,后期最关键的问题还是广义上理解的一个素描关系。就是我们经常强调的对比,或者事物的对比关系。

一幅画面里的对比不是一个,不同颜色的元素是对比,主体和背景又是一个对比等等。要把一个平面的照片延伸开,一层一层打开去看。就好像我们小时候的立体贺卡,你合起来是一个平面的2D,但是当你把这个贺卡展开之后,它会分出一层一层的。把一个照片想象成一个三维的空间,是因为前期它本身就是在一个三维的空间所拍摄到的画面。在后期的时候,一定要把它想象成立体的,这时候素描关系就上升到了技术层面。

影调大于色调,黑白灰大于颜色。没有调不出的颜色,只有混乱不堪的调子。黑白灰拿不准,色彩必然是混乱的。

但凡接受过一些绘画教育就有这个经验:在画画之前,可能是被色彩吸引的。但上来就画色彩是不允许的。先要过素描关,画黑白灰,画速写,再画素描。素描的基础打扎实了,这个时候才能开始画色彩。

所谓影调大于色调,说的就是黑白灰素描关系要大于任何的色彩关系。黑白灰要大于色彩,大于颜色。很多的后期就是一个对比的关系。有些照片看起来灰灰的,就是黑色阶和阴影没有沉下去。该有的暗部要沉下去,不仅仅是初学者,就算是一个有经验的摄影师或者后期,很多时候也会犯这个错误。

我们日常生活看大千世界,尤其是黑夜,道路两旁有路灯的照明,关注点也只是在能够看到的路面,有谁去关注道路两旁灯光找不到的黑暗地带呢?人的眼睛不太会去关注这些非常暗的部分。也不会有人在看一张照片的时候,找到暗部目不转睛的盯着看。因为在画面里它本身就不是很重要的。

尽管它们不那么重要,但是这些暗部不沉下去,又不能和其他的亮部形成明暗对比,整个画面的影调就要出问题。归根结底,是这个关键的“对比”问题没有搞清楚。再讲清楚点,就是黑白灰拿不准,所有的色彩都是灰的、脏的、乱的。色彩无序,对比不到位,整个照片当然是灰灰的。但是暗部也要有层次,如果搞成黑死状态,毫无细节,也是不可以的。

正确的对待后期,不是合成,不是调色,而是一种“清理”。这里说的清理不是使用污点修复画笔工具祛斑,也不是图章工具修补,而是该压暗则压暗,该提亮就提亮,该去掉就去掉,该增加就增加。而这里说的暗、亮、增、减,其实说的就是一种空间对比关系,也就是我们前面说的素描关系。

举个例子来说。很多人会犯的一个错误,玩命的把亮部提亮,像这种受光,面部光源显得亮的。其实你想让片子显得更亮的话,不是提高光,也不是白色色阶,它们会过曝的。想让他结构更明显,一般是降高光,你会发现降高光之后它的结构关系比之前要明显很多。高光降了之后,反而会把五官结构点上的高光点全都空出来了,之前高光泛出的感觉也都会往回收。

照片想要获得光感,不是说一味地增强高光,也不是增强白色色阶,而是适当的增强对比关系。当你把高光降下去之后,相应的配合黑色色阶沉下去,提一下阴影,这个时候整个照片的对比和结构关系,比原片就大大加强了。同时适当的提升一些白色色阶,或者整体曝光,这时候在整个五官上的结构,包括高光点的确认,以及暗部关系的确认,都会比之前好很多。

我们在进行修片和调色的时候,高光不是说越提越亮,相反的是要把周围环境压暗,来去凸显映衬高光的亮。白天为什么看不到星空,晚上的时候却满天繁星?白天这些星体也是真实存在的,为什么就看不到?因为我们周围的环境太亮了。万物皆对比,只有当周围环境暗下来的时候,才更容易获得光感;相反越亮的时候,几乎没有什么光感的。

我们拿到照片,看到亮调,第一反应不是让他更亮,而是将周围压暗。包括做中性灰也是。做完中性灰观察一下图层,如果里面的白色画笔非常多的话,百分百是做错的。当然黑色画笔太多也是不对的。有些极端的例子是整个后期几乎全都是黑色画笔,严重到几乎把高光都盖过去了。

无论是白色或黑色画笔过多,黑白灰的关系平衡都会被打破,都有问题的。正常情况下的比例黑色画笔大概是60%这个样子,也就是黑色为主。超过这个值,甚至达到80%以上,就有问题了。想象一下,太白,就是太亮,相当于前期的过曝,没有任何层次对比关系,画面平平;太暗,也是一样的道理。

有序地将照片的物理结构,向视觉主体引导。我们要通过后期手段,把主次分开,远近分开,把一张普通的片子变得有代入感,空间感和层次感,这才是后期该做的。

人的精力有限,我们不可能掌握所有的知识。在有限的生命里,走正确的路,吸收有用的营养,才能不断进步。